“La “Dicotomía” es un fenómeno que implica la separación en dos partes de una
cosa; claro que el término incluye implícitamente la propiedad de exclusión
mutua entre las partes separadas por el fenómeno dicotómico.” Wordreference.com

La película Blow – Up, junto con el texto “Las Babas del Diablo”  de Julio Cortazar, establecen de alguna manera un vinculo entre el artista, y la realidad a través del arte, produciéndose entonces una dicotomía entre la realidad  objetiva y una realidad ficticia.

“ Creo que sé mirar, si es que algo sé, y que todo mirar resuma falsedad, porque es lo que nos arroja más afuera de nosotros mismos, sin la menor garantía. […] De todas maneras , si de antemano se prevé la probable falsedad, mirar se vuelve posible, basta quizá elegir bien entre el mirar y lo mirado, desnudar las cosas de tanta ropa ajena.”                                                                      

Julio Cortazar, “Las Babas del Diablo”

De alguna manera, la película y el texto  cuestionan el poder de la veracidad de una imagen, y entonces surgen preguntas:  ¿cuanto nos puede transmitir el arte acerca de una realidad? ¿Cómo a través del arte es posible “ver” otra realidad, discutir la realidad objetiva, dar cuenta de ella.  ¿Qué es lo que nuestro ojo ve o en realidad inventa a través del arte?,¿Qué posibilidades aporta una imagen desfragmentada de la realidad como apoyo a la memoria de un hecho? De esta manera, es posible afirmar que de cierta forma el objetivo de la fotografía es convertirse en la continuación de un ojo, de la realidad que “vemos”. Entonces ¿se puede entender el arte, en todas sus dimensiones y disciplinas como una continuación del ojo?

En el caso del texto y la película, la fotografía, funciona como un vehiculo para entender una realidad que nuestro ojo no percibió, la fotografía aparece como reveladora de una nueva realidad.

“al fin y al cabo una ampliación de ochenta por sesenta se parece a una pantalla donde proyectan cine…” (Las babas del Diablo) y en ese punto comienza a desenlazarse una nueva versión de los hechos, el mismo punto en que Thomas, (protagonista de la película), realiza un blow-up o acercamiento a sus fotografías.

Esta relación entre realidad e irrealidad me parece que se expone en la película desde un principio simbolizada , por los mimos. Una irrealidad efímera, sin sentido,  sin contexto en un principio dentro de la película, los mimos como un símbolo de una realidad ficticia, el partido de tenis.

De esta manera, es posible establecer una relación concreta  no sólo con el arte sino q específicamente con la fotografía como una herramienta del arte. En un inicio, la fotografía fue en mecanismo innovador que permitía captar la realidad tal cual. Era un reflejo auténtico del mundo real, proporcionando un archivo visual que parecía detener el instante y conservarlo para siempre en la memoria. La fotografía no transgredía ni transformaba la realidad, simplemente la reflejaba. Pero al parecer la necesidad de transformar la realidad es una obsesión del ser humano, ya que no tardó mucho en comenzar a utilizarse este nuevo lenguaje visual para deformar lo real en algo imaginario, inexistente. Así lo hizo por ejemplo  Man Ray, (1890 – 1976) quien reconoce en un principio el potencial artístico – expresivo de la fotografía,  una mezcla de invención y realidad, el surrealismo. Establece la relación primaria entre la fotografía y el arte. Asimismo, si en los años 20 y 30 el Surrealismo fue un movimiento que apoyó el desarrollo expresivo de la fotografía, a mediados del siglo XX , los medios de comunicación, la publicidad y los experimentos de los artistas pop reafirmaron el uso de la fotografía como un componente más de su producción artística. Artistas como Andy Warhol, quien a través de la  repetición de una fotografía de una realidad, logra distorsionarla y reinterpretarla, develando así una “nueva realidad” , una posible “verdad”, como es el caso de la serie de fotografías de Jackie Kennedy, “Sixteen Jackies”.

La dicotomía entre realidad e irrealidad, la utopía y la realidad, o la utopía DE la realidad parece ser un tema que ha sido tratado paralelamente de manera interdisciplinar, el cine, la literatura, la fotografía, la pintura, en distintas épocas y de distintas maneras, constituye finalmente un lazo que las une, una propiedad común.

“Autoretrato” Man Ray

“À l’heure de l’observatoire les amoureux” Man Ray, 1934

“Sixteen Jackies” Andy Warhol, 1965

La performance teatraliza el espacio y la experiencia.

“For The City” Jenny Holzer

“Una milla de cruces en el pavimento”, Lotty Rosenfeld

“Embankment”, Rachel Whiteread

“Considero que mi trabajo es una especie de “productor de fenómenos”, Olafur Eliasson

Finalmente, se podría decir que Olafur Eliasson, intenta, a a través de una escenografía, que el mismo crea, producir una realidad artificial y una alteración del espacio y el tiempo mediante el estimulo de los sentidos y de la percepción. El espectador, en este sentido, genera una tensión, entre sujeto – objeto, o sujeto – experiencia, sugiriendo una relación y un dialogo directo entre escenografia y usuario. Esta experiencia finalmente se ve lograda gracias a través de ciertas herramientas, que si bien son tecnológicas en la practica, tienen su fundamento en fenómenos naturales.

De esta manera, es posible entonces, establecer una conexión directa entre estos tres factores y el resultado final donde la suma de la escenografia + espectador + herramientas, se traduce en una experiencia sensorial en el espacio.

Es posible entonces de la misma manera establecer una vinculo de esta relación , con la arquitectura, donde convergen e interactúan tres factores, el espacio (escenografía) + usuario (espectador) + arquitectura (herramienta) = experiencia

Y posteriormente con el teatro,  donde convergen : actor + espectador + escenografia , para generar una “realidad artificial” una experiencia sensorial.

Es asi como es posible  investigar acerca de la arquitectura como herramienta para teatralizar el espacio. 

De esta forma, se comienza a entender a la arquitectura  tanto como un artefacto , (artificial siempre ya que es intrínsicamente una intervención humana, una artificio) como un espacio teatral. Un espacio en el que existen relaciones y diálogos con el usuario (espectador), a través de distintas herramientas.

 De esta manera, se hace posible indagar en el aspecto teatral, tanto de la arquitectura misma como del espacio.

La noción de “lugar” más que del concepto abstracto de “espacio” habla  de experiencias concretas de escenificación, remitiendo a la escenográfía del teatro y al espacio en la arquitectura.  En la actualidad se realiza muchos trabajos interesantes fuera de los espacios teatrales designados como tales, es decir, en espacios no tradicionales de representación, de modo que el “lugar” o “sitio”, adquiere un protagonismo en lo que se puede llamar performance, en un sitio especifico. Es decir, cuando el lugar y el espectador comienzan a dialogar de forma directa convirtiéndose en cómplices

  ¿ Es posible entonces, indagar también en el posible carácter de la arquitectura como performance, donde finalmente, la arquitectura, y la teatralizacion de esta y el espacio, generan una realidad artificial, una experiencia sensorial que depende del espectador o del usuario y que interactúa con ellos, tanto de manera directa como conceptual?

Fabrica Johnsons, Frank Lloyd Wright

“Plastic Fores”, Valparaiso, Facultad de Arquitectura Universidad Federico Santa María

(Rodrigo Tisi)

“Blur Building” Diller & Scofidio

Olafur Eliasson nace en 1967 en Copenhague, pero vive y trabaja en Berlin.

Su obra  se genera a partir del trabajo de dos opuestos, por una parte lo efimero y lo natural como  el agua, la luz, el calor, el olor, las piedras, etc y por otro lado lo industrial y tecnologico, acero, plastico, motores, etc. De esta manera, el gesto de interpolar la naturaleza con la artificialidad por medio de instalaciones en el espacio, permite observar la reacción de distintas personas frente a un fenomeno natural en un espacio o contexto completamente artificial. En este sentido, es posible establecer ciertas conexiones y/o relaciones en la naturaleza misma y la obra  de una manera artificiosa, evidenciando asi el entendimiento del entorno como una imagen posible de diseñar por el hombre.  Es asi como se produce un gesto, un intento casi teatral de transmitir una experiencia por medio del espacio, reinterpretando y utilizando elementos referentes propios de la naturaleza , para transmitir  un concepto totalmente opuesto: lo artificial, llevando a una sala, o a un museo, algo tan imposible como el clima, o el tiempo.

Entendiendo la obra de Olafur Eliasson, la cual se compone de distintas instalaciones y muestras fotograficas, es posible entender como este se sirve de elementos del paisaje para conformar un nuevo espacio, idea o concepto. Si observamos en una primera instancia, las instalaciones de Eliasson,  ”The Weather Project” , la simulación  de un atardecer, la experiencia y la sensación de estar en un lugar descontextualizado, construye un paisaje en su descontexto, construye una escenografia para transmitir un concepto que se basa en la percepción, en “Waterfall” ocurre lo mismo, y en “Horizont Activity” también, quizas en una la relación con el referente se hace mas evidente que en la otra. Por ejemplo en esta última , la abstracción del horizonte se produce por medio de la tecnologia y a través de una sola linea de luz.

Sin embargo, estas instalaciones parecen tener su origen en distintas observaciones que hace el artista a través de la fotografía. Si bien no existe una relación textual  entre las obras, el artista en las excursiones que realiza, establece un analisis metodico del paisaje, a partir de series fotograficas a glaciares, cartografías, atardeceres, horizontes, fisuras, cascadas, etc. Esta tecnica le permite acercarse de un modo más cercano y experiencial a la naturaleza , observandola, entendiendola y luego reinterpretandola por medio de una instalación en la cual de alguna forma descontextualiza estos elementos del paisaje llevandolos a la ciudad, a la tecnología y a un nivel más artificial, industrial y moderno.Intentando quizas transmitir un mensaje,  a través de la percepción, de la experiencia y de la representación.

De alguna manera se hace posible entonces establecer  una relación en el tiempo, con Duchamp, quien en su epoca provocó descontextualizando objetos de uso cotidiano, trasladando un objeto de uso diario, como es un urinario a un museo, lo cual más  tarde lo definió como una obra de arte, y que ahora Eliasson lo hace intentando llevar la esencia de la naturaleza a un espacio artificial.

“The Weather Project” ( 2004)

“Activity Horizont” (2004)

“Waterfall” (2000)

“Sunset Series” ( 2006)

“Cartography Series”

“The Waterfall Series” (1996)

“The Horizont Series” (2002)

“The Fault Series” (2001)

La obra de Nicolás Rupcich de alguna manera apunta a entender el entorno como una imagen diseñada y por ende artificial. Su valor radica en la artificialidad y la importancia de la imagen más por el concepto que esta transmite que por la imagen misma.  Estas ideas me parecen interesantes dentro de su trabajo ya que de cierta forma es posible establecer un vinculo directo con la Arquitectura y su proceso creativo.La Arquitectura, el Diseño y el Arte, son herramientas que sirven para reinterpretar  una realidad, la representación de una idea, de un concepto,  y la manipulación de imágenes referenciales  son el resultado final de un proceso que  finalmente se hace evidente frente a nuestros ojos  a través de la forma.

En este sentido me pareció interesante, el corto “Diseño de Paisaje”, en el cual se incorpora una “imagen” a la ciudad, una forma, la palmera. Esta cobra real importancia, no  por la “imagen” de esta como objeto, sino que por su carga significativa y conceptual que adquiere en un contexto como la ciudad. Da cuenta y pone en evidencia la artificialidad de estos gestos en lugares urbanos,  a través de estas “imágenes” o “realidades” insertas en la ciudad. La incorporación forzada de la naturaleza  a esta, finalmente es  más artificial que la ciudad misma, tergiversándose asi su objetivo y cobrando así nuevas cargas significativas. De esta manera, a través de las artes visuales,  de la representación y de la manipulación es posible incorporar ciertos espacios en desuso o desapercibidos, otorgando la posibilidad de observarlos desde otra perspectiva, a través de “imágenes”.

Este trabajo  me recordó a la presentación de Chile en la Expo Sevilla ‘ 92.Uno de los grandes objetivos que impulsaron la creación de la Exposición Universal de Sevilla era dinamizar el desarrollo regional de Andalucía  y dar a conocer sus riquezas y  fortalezas. En esta exposición  hubo cabida  para que cada país presentara su “imagen” en un pabellón para cada uno.  La presentación de Chile significó la primera oportunidad de lucimiento internacional en que el gobierno de reapertura democrática pudo autorrepresentarse a través de una “performance”  de identidad. Parte de la muestra consistió en llevar desde Chile un gran bloque de hielo antártico de 60 toneladas, con el propósito de evidenciar una imagen ambientalista de Chile, sin embargo, fueron muchos los significados comprendidos en esta presentación. El protagonismo formal dió pie para muchas interpretaciones  e ideas asociadas a una “imagen”. Discusiones acerca de esta surgieron frente a la pregunta de si era pertinente, presentar a Chile a como un país frío, a la que se asocian el cálculo y la racionalidad, la contradicción de los viejos estereotipos de desorden y caos que la mirada europea solía proyectar sobre América Latina. La blancura natural del hielo milenario de la Antártica se podía interpretar como una misión de descontaminar  la imagen de Chile de cualquier reminiscencia ideológica tercermundista o política.

De esta manera me parece que con este tipo de  gesto se  logra otorgarle protagonismo a la conceptualización de una imagen, más allá de lo que este pueda significar como un objeto aislado y descontextualizado, (por lo tanto artificializado) sino que la carga significativa que posee como “imagen” y como la manipulación de esta puede permitir una reinterpretación de lugares y espacios, generando así un  quiebre o conflicto entre lo real y lo ficticio, lo natural y lo artificial. Un elemento que pertenece a la naturaleza, que parece vivo ,al ser descontextualizado y  artificializado muere, generando una crisis respecto a los limites, entre la imagen proyectada y la imagen real, lo que es y lo que pretende ser al ser manipulada.